Canção sublime, notas para o infinito
01 de novembro 24 – 24 de janeiro 25 Curadoria Ariana Nuala Expografia Alberto Rheingantz
Em qualquer centro de qualquer grande cidade, talvez exista uma pequena loja de artigos indianos. Atrás de uma vitrine com tapetes bordados, lenços coloridos, incensos e imagens douradas de deuses, repousa um livro de capa simples: o Bhagavad-Gita. Em algumas dessas lojas, uma música toca em fundo constante, mantras repetidos em voz doce, acompanhados por tambores leves. São fragmentos do movimento Hare Krishna, que chegou ao Brasil no fim dos anos 1960, impulsionado pela expansão internacional da International Society for Krishna Consciousness (ISKCON), fundada em Nova Iorque pelo mestre A. C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada. A filosofia pregada pelo movimento, baseada na devoção e no cântico como forma de união com o divino, se espalhou por comunidades, feiras e centros urbanos, trazendo consigo a materialidade de uma sabedoria antiga, viva, entoada em ritmo.
O Bhagavad-Gita, ou A Sublime Canção, é um dos textos centrais do hinduísmo e também um dos mais universais tratados éticos já escritos. Faz parte de uma obra monumental chamada Mahabharata, a grande epopeia da Índia. Nesse vasto poema, que narra a disputa entre duas linhagens de uma mesma família, os Pandavas e os Kauravas, a guerra não é apenas evento político, mas também conflito interior, uma alegoria do embate entre visão e cegueira, entre consciência e ignorância. Os Kauravas descendem de Dhritarashtra, o rei cego que simboliza a perda de discernimento; os Pandavas, guiados por Arjuna, representam a linhagem que busca a justiça e a verdade. O Bhagavad-Gita ocupa o sexto livro da epopeia e se desenrola às vésperas da batalha final. Ali, o guerreiro Arjuna hesita: diante de um campo tomado por inimigos que também são seus parentes, ele perde a força de lutar. Seu arco cai.
Nesse instante, Krishna, seu condutor e mestre, revela-se como princípio de sabedoria e fala sobre a necessidade da ação justa, do dever, do equilíbrio entre o fazer e o compreender. O diálogo entre Arjuna e Krishna torna-se, assim, uma meditação sobre o sentido de agir no mundo. Segundo a tradição filosófica, Arjuna é a imagem do ser humano diante de uma escolha essencial: agir conforme os impulsos da matéria ou conforme o dever que nasce do espírito. Krishna o ensina que agir é inevitável, que a inércia também é forma de ação, e que o caminho da sabedoria consiste em realizar o próprio dever (dharma) sem apego aos resultados.
Como uma canção, o Gita ensina o ritmo da ação justa, aquela que se dá em harmonia com o todo. Do ponto de vista histórico, o texto atravessou séculos de oralidade até chegar ao Ocidente. Traduções em inglês, francês e latim circularam a partir do século XVIII, tornando-se pontes entre culturas e matrizes de pensamento filosófico. Nas universidades e nos mosteiros, o Gita passou a ser lido como tratado sobre a ética do agir, a autonomia do espírito e a inseparabilidade entre vida, dever e consciência. Hoje, o livro que ali se conserva é também vestígio de uma cosmologia em movimento, longe do determinismo de uma visão orientalista.
Pego emprestada esta narrativa heroica, com a qual me encontrei aos dezessete anos, numa pequena loja de bairro na Zona Norte do Recife. A curiosidade de tentar compreender o mundo através de uma lente espiritual me parecia, no mínimo, interessante, e havia na canção, ou nos sutras que envolvem essa literatura, uma língua que perturbava a ordem estabelecida das coisas. Entre o encontro de Arjuna com seus próprios parentes, espelhos de si, e o confronto interior que o paralisa, há algo que sempre retorna: a percepção de que toda batalha é também interna, uma luta pelo discernimento. Esse processo que envolve linguagem, línguas, sussurros e cânticos carrega o potencial de afetar diretamente a teia social, suas estruturas e murmúrios, como se cada vibração espiritual também fosse uma forma de ação política, uma fresta aberta no tecido do mundo.
Hoje, talvez, possamos destrinchar essa camada do herói. A estrutura narrativa fundada na conquista e no retorno parece atrelada demais ao “sujeito”, à linearidade do indivíduo, uma leitura simples para a complexidade do herói-deus. Como lembra Leda Maria Martins, em A Cena em Sombras (1995) (1). Quando ela toma o teatro africano como referência, revela uma percepção do real em que o drama e o ritual se entrelaçam, e o chamado “drama do herói-deus” não designa mais uma trajetória individual, mas uma experiência coletiva de passagem. O herói, como no Gita, é um princípio de conexão: divindade e comunidade em coexistência, uma presença que reúne forças humanas e cósmicas em um único gesto. Nessa dramaturgia, o palco é uma arena ritualística e o drama é comunhão. O corpo se torna mediador entre mundos, e o ato de criação, uma forma de cura. Essa visão dissolve o arco linear do herói ocidental e devolve à coletividade o poder de narrar, curar e reordenar o mundo. O conhecimento, então, nasce da relação. Ou, como propõe Martins, tanto na literatura quanto no teatro, essas expressões recuperam modos de coesão comunitária, expondo suas tensões e atritos.
É preciso deslocar o “sujeito” para uma ética do mundo que se deixa afetar, onde o pensamento é também matéria vibrante. Nessas dobras, a canção que outrora pertencia ao herói se desfaz em coral, uma escuta múltipla, uma linguagem que não busca o centro, mas as margens, o rumor, os sussurros coletivos. Novamente pergunto: as narrativas que não separam o divino do terreno, que abrem configurações e se enredam em presença, não atravessam ainda hoje a própria ação religiosa que estruturou o mundo como o conhecemos?
Religiões monoteístas hegemônicas permanecem como arquiteturas de poder simbólico, regendo moralidades, definindo fronteiras entre pureza e profanação, entre o humano e o sagrado. Mesmo quando se anunciam em crise, continuam a operar como dispositivos de regulação do sensível, moldando o modo como percebemos corpo, culpa e transcendência. Em seu reverso, o tempo contemporâneo parece responder com um niilismo que, ao proclamar a morte de Deus, dissolve também as possibilidades de construção de sentido. Entre essas forças, o canto e a escuta talvez nos lembrem de outra economia do espírito, uma ética da vibração, em que o infinito é um processo ininterrupto de produção e movimento, relação entre o que chama e o que responde, entre mundos implicados.
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Um anúncio. Ao longo de uma paisagem, poderíamos ouvir uma voz quase cintilante chegando lentamente aos nossos ouvidos por um agudo. Ao arrepiar todos os pelos do corpo, um choro intermitente sobeja dos olhos e assim a respiração reencontra o seu lugar. Essa paisagem poderia ser outra, em outro corpo, em outro mundo. Cantar é insurgir contra o esvaziamento. Escutar é reabrir o mundo à sua própria densidade. Entre respiração e tempo, entre som e gesto, a vida se oferece como campo de batalha e de criação, uma canção infinita.
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Canção sublime, notas para o infinito propõe a canção como imagem de acesso, um portal para compreender um mundo ativo e emaranhado. Ela se apresenta como prática espiritual que, ao mesmo tempo, modela o campo político. Assim como em passagens do Bhagavad-Gita, que apontam para uma ordenação social, a canção evoca mediações em meio às forças que buscam capturar e esvaziar experiências densas, tecnologias do espírito. O canto resiste como vibração que não se possui, língua que se desfaz e se conjura, corpo que se abre em estados de presença. Como nos sutras, fios que costuram consciência e atravessam eras, a canção ensaia formas de liberdade, expandindo o gesto para além do controle do capital. O órgão tubular, respiração em movimento, produz polifonias e mesclas que fundam territórios transitórios, insurgentes, sempre em fuga. A exposição afirma a espiritualidade não como refúgio, mas como potência especulativa de mundos, onde a voz é passagem, resistência e horizonte infinito. Tantras, meditações, exercícios corporais, sonoros e mentais revelam modos de enxergar o divino e de ser divino. São práticas territorializadas, advindas de comunidades e transes que, exotizados e fetichizados, hoje muitas vezes se tornam mercadorias. Neste sentido, a exposição traça pontos de energia em que certas tecnologias do espírito são relembradas e realinhadas, sabedorias que nos recordam estarmos cercados por diferentes mundos e nos convocam a acessá-los sem a cosmofobia, como advertia Nêgo Bispo. Práticas e exercícios tornam-se, assim, não apenas memória, mas reaprendizado vivo, modos de reabrir canais de presença e insurgência frente às forças que insistem em reduzir a vida à sua utilidade.
A exposição parte desta literatura como ferramenta de pensamento, mantendo o texto junto às obras como modo de aproximação: compreender o agir, o conflito e a transformação como experiências incorporadas. O campo de batalha que move Arjuna é entendido aqui como campo de relações, um espaço em que o gesto e a escuta se tornam formas de conhecimento.
As obras reunidas não descrevem passagens espirituais; ensaiam estados — presença, dispersão, recolhimento, deslocamento. Cada uma propõe modos de afinar a atenção e sustentar a coexistência, reabrindo vínculos entre matéria e pensamento. Assim como o cântico do Gita conduz à ação consciente, essas práticas lidam com o tempo, o inacabado e o intervalo entre o que cessa e o que retorna.
Na conversa entre Fred Moten, Stefano Harney, Sandra Ruiz e Hypatia Vourloumis (2), Vourloumis define o murmúrio como estrutura paradoxal: “maneiras de manejar umas às outras”, pequenas formas de cuidado que se sobrepõem, desviam e permanecem. Essa imagem do murmúrio atravessa a mostra. As obras não se encerram em si, coexistem em ressonância, mantendo o som da diferença como espaço de relação.
Canção sublime, notas para o infinito compreende o infinito como duração, o intervalo em que as coisas continuam a operar. As obras não buscam repouso ou conclusão; sustentam-se no atrito, na escuta e na reverberação. Algo inacabado que se prolonga.
(1) MARTINS, Leda Maria. A cena em sombras: ensaios sobre o teatro negro e o performativo. Belo Horizonte: Mazza Edições, 1995.
(2) HARNEY, Stefano; MOTEN, Fred; RUIZ, Sandra; VOURLOUMIS, Hypatia. Ressonâncias: uma conversa sobre formações sem forma. Tradução de Cian Barbosa. São Paulo: Casa do Povo, 2023. Publicado originalmente como “Resonances: A Conversation on Formless Formation”, e-flux journal, n. 121, out. 2021. Disponível em: https://casadopovo.org.br/wp-content/uploads/2023/11/fred-moten-stefano-harney-ressonnancias.pdf. Acesso em: 23 out. 2025.
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CANTORES E CANÇÕES:
ANA V. LOPES (Japuíba, RJ, 1998)
Vive em São Gonçalo e trabalha no Rio de Janeiro.
Artista visual, curadora e pesquisadora contra-colonial, trabalha com escultura, pintura, vídeo e performance. Graduada em História pela Universidade Federal Fluminense (UFF), é curadora assistente no Galpão Bela Maré e fundadora do Ateliê Pytã, projeto dedicado às narrativas de experimentação com o barro e pigmentos naturais. Sua prática acontece entre educação cultural, acessibilidade e perspectivas antirracistas e contraetnocidas. A partir da escrita poética e do encontro com a terra, sua poética fabula mundos coabitáveis, onde corpo e matéria se entrelaçam em processos de biointeração.
Em Quando Tudo Enkrakar (2025), Ana V. Lopes apresenta uma instalação que nasce da observação das krakas — organismos marinhos que constroem pequenas arquiteturas calcárias ao se fixarem em superfícies. A artista transforma essa biologia microscópica em metáfora da coexistência e da insurgência silenciosa. O barro e o sal tornam-se extensões do corpo, matéria de respiração e fixação. Sua obra acompanha o instante em que algo se anuncia antes de ser visto, evocando o gesto de coletividades, rezas miúdas, em que quem aprende com o mar atinge a paciência, o acúmulo e a capacidade de permanecer em transformação.
ANTONIO BRENO (Baturité, CE, 1994)
Vive e trabalha em Fortaleza.
Artista visual e pesquisador, é formado em Gastronomia pelo Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Ceará – IFCE, e graduando em Humanidades pela UNILAB. Desenvolve trabalhos em escultura, instalação, vídeo e fotografia expandida. Sua pesquisa parte de uma relação sensível entre corpo, materialidade e território, operando nas margens entre ancestralidade e experimentação.
Na exposição, Antonio Breno apresenta os vídeos O tempo das coisas (2023) e Voo (2024), que entrelaçam alucinação, morte e renascimento. Em Voo, as imagens transitam entre uma lápide e as paisagens de Baturité, compondo uma meditação sobre o tempo, elasticidade, alucinação e matéria. No primeiro vídeo, o fogo que consome peixes sendo assados por pescadores na praia do Mucuripe, em Fortaleza, alterna-se com registros do velório do avô do artista, em 1999, em que mãos repousam próximas ao corpo. O gesto de filmar torna-se rito de passagem — chama e sopro que costuram o doméstico e o sagrado. Em ambos os trabalhos, Breno transforma o vídeo em exercício de oração e escuta, um modo de reconectar o visível ao invisível, a vida à sua própria continuidade.
BEL YSOH (São Paulo, SP, 1991)
Vive e trabalha em São Paulo.
Filha de imigrantes coreanos, constrói um corpo de trabalho de natureza investigativa que articula materialidades e conceitos imateriais. Sua prática atravessa escultura, cerâmica, pintura, vídeo, fotografia e performance, propondo diálogos entre tradição e ruptura, indivíduo e coletivo. Crescida em um contexto cultural híbrido e disciplinar, Ysoh reflete sobre as tensões identitárias e as coexistências possíveis em territórios marcados por opressão e deslocamento, fazendo da arte um espaço de reconstrução simbólica e emancipação sensível.
Bel Ysoh apresenta Tomy (2024), uma escultura de cerâmica de grandes dimensões, composta por uma cabeça monumental de traços híbridos que emerge da terra como um oráculo. A obra suspende fronteiras entre ancestralidade e ficção, convocando o espectador a uma escuta silenciosa e introspectiva.
CASTIEL VITORINO BRASILEIRO (Vitória, ES, 1996)
Vive e trabalha em Vitória.
Artista, escritora e psicóloga clínica é mestre em Psicologia Clínica pela PUC-SP. Sua prática multidisciplinar investiga os mistérios entre vida e morte, a transmutação e a espiritualidade interespecífica, fundamentada em saberes da diáspora Bantu-brasileira. É autora de Quando o sol aqui não mais brilhar: a falência da negritude (2022) e desenvolve o projeto contínuo Kalunga: a origem das espécies.
Na exposição, Castiel apresenta Para o meu avô / para meu avô (2024 - presente), um conjunto de mosaicos criados em homenagem ao avô, configurando uma cartografia afetiva em que o chão se torna altar. As pequenas peças de vidro e pedra reconstituem memórias, como fragmentos de um corpo celeste espalhado. Neles, a artista aproxima o tempo dos mortos e o tempo dos astros, evocando o princípio bantu de continuidade entre mundos. Suas obras vibram como preces silenciosas, onde o brilho das superfícies reflete o aprendizado com os ancestrais e o gesto de transformar passagens em forma, juntamente com a presença da jaqueira, madeira que acompanha a obra.
FE AVILA (São Paulo, SP, 1981)
Vive e trabalha em São Paulo.
Pessoa não binária, artista e fotógrafe. Formade em Comunicação Social pela PUC-SP e pós-graduade em História da Arte pela FAAP. Pesquisa corporalidades dissidentes, intimidade e espiritualidade, experimentando a fotografia como transe performativo e espaço de encontro. Constrói um arquivo partilhado de memórias e afetos, borrando fronteiras entre documento, ficção, imagem e presença.
Em Abissais (2021), realizada em colaboração com Anis Yaguar e Abél Yina, e em Autorretratos, da série Corpo Luz (2022–2025), Fe Avila mergulha com a fotografia em atmosferas onde a luz se dissolve em matéria. A superfície translúcida do backlight cria a sensação de uma imagem que emite — e não apenas reflete — luminosidade. Entre o corpo e a rocha, o retrato se converte em energia. Sua prática aproxima a imagem da escultura, não pela forma, mas pela densidade tátil que a luz adquire: uma fotografia que respira por dentro, um corpo luminoso que recusa o enquadramento.
GILSON PLANO (Goiânia, GO, 1988)
Vive e trabalha no Rio de Janeiro
É mestre em Artes pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro – UERJ. Em seus projetos, investiga como aspectos formais podem revelar dimensões de ficção, encantamento e memória. Ao tensionar peso e equilíbrio entre matéria e estrutura, constrói vínculos simbólicos e históricos que transformam o gesto escultórico em narrativa. Seu trabalho parte de um imaginário sobre forma e pensamento no Brasil, articulando também ações em educação e gestão cultural.
Na mostra, Gilson Plano apresenta lágrimas (2024), uma escultura que se abre como um arco de devoção. Construída em metal, a peça evoca rosários e lágrimas de Nossa Senhora, conectando gestos de fé às festividades populares do interior mineiro. Entre congadas e reisados, o artista desenha um altar que é ao mesmo tempo estrutura e oração. Sua escultura propõe uma leitura do sagrado como arquitetura do corpo e da coletividade — um portal que se ergue pela força da crença, entre o peso da matéria e o sopro do invisível.
GOKULA STOFFEL (Porto Alegre, RS, 1988)
Vive e trabalha em São Paulo.
Em seus trabalhos, a paisagem é sempre corpo, e o corpo é sempre atmosfera. Sua prática pictórica surge da observação do ambiente e do conhecimento dos materiais — tecidos, fibras, resinas e lavandas — que se combinam em composições de forte carga emocional. Sua investigação integra pintura, escultura, tecelagem e desenho, mesclando acaso e memória em uma prática reflexiva que converte o ato manual em um espaço de afeto e escuta.
Espreguiçar, Meditação com Sol e Corpo-vapor, ambas de 2025, articulam o gesto pictórico para fazer o tempo respirar. Nelas, a artista trabalha o óleo com textura rarefeita, deixando o fundo pulsar como vapor. As figuras não se definem por contorno, mas por temperatura cromática, apresentando corpos em estados de matéria similares aos de substâncias inerentes à vida. São corpos que se alongam sob a luz do sol, que se desfazem em névoa e que repousam entre o sono.
JUNO B (Fortaleza, CE, 1982)
Vive e trabalha em São Paulo.
Sua prática transita entre ficções e mutações transespecíficas em diálogo com paisagens adaptativas pós-industriais, desafiando noções sobre o fator humano nesses contextos. Por meio de vídeo, fotografia, objetos escultóricos e instalações imersivas, seu trabalho propõe sínteses conceituais e visuais a partir de gestos de fabulação e magia.
Em deep distance (2025), Juno B aponta para uma paisagem montanhosa onde luz e corpo tentam se comunicar. Um feixe atravessa o quadro, alcançando um monte boliviano coroado por uma cruz. Entre o humano e o mineral, o artista constrói uma cena de invocação e silêncio. Sua obra reflete sobre a tentativa de estabelecer diálogo com o desconhecido — o gesto de emitir sinal, de enviar mensagem a algo que talvez não responda. Nesse intervalo, a luz torna-se oração e a montanha, testemunha.
KAETÉRINE TERRA (Rio de Janeiro, RJ, 1998)
Vive e trabalha no Rio de Janeiro.
Artista nascida e criada no Morro do Caeté e estudante de Artes Visuais na Universidade Federal do Rio de Janeiro – UFRJ. Integrante do coletivo trans de serigrafia Fudida Silk, sua prática emerge do encontro entre corpo, matéria e território, experimentando o invisível através das mãos. Trabalha com materiais orgânicos e sintéticos encontrados nas andanças, transcendendo suportes tradicionais para criar objetos de afeto e cuidado.
Na exposição, Kaetérine Terra apresenta sentimento oceânico (2024), composta por diagramas têxteis elaborados em veludo e serigrafia, nos quais símbolos, palavras e manchas se articulam como constelações de um pensamento místico. Entre a estética new age urbana e um memorando de práticas, reúne na composição a memória de mapas astrais fragmentados — registros de uma espiritualidade cotidiana e insurgente. O gesto de imprimir manualmente sobre o tecido afirma o corpo como mediador entre mundos, uma superfície onde o visível e o oculto se tocam.
LOREN MINZÚ (São Gonçalo, RJ, 1999)
Vive em São Gonçalo e trabalha no Rio de Janeiro.
Em sua prática, pensa imagem, tempo, corpo e espaço a partir de relações interespecíficas guiadas por luminosidades e escuridões que emanam de seres terráqueos e cósmicos. Atua entre vídeo, instalação e escultura, criando ferramentas estéticas junto ao reino vegetal.
Na mostra, Loren Minzú apresenta A Sublime Canção (2025), esculturas em cerâmicas que se abrem como corpos em rotação. Suas peças evocam o movimento solar por meio das bocas e saias que giram em torno de um eixo imaginário, em reverência à luz, propondo uma cosmologia do gesto circular, em que o fazer manual se aproxima da dança e o barro torna-se corpo em transe. Ele cria paisagens de comunhão, onde o fogo, o som e a argila respiram em uníssono.
LUCAS MILANO (Belo Horizonte, MG, 1992)
Vive e trabalha em São Paulo.
Formado em Artes Visuais pela Fundação Armando Alvares Penteado – FAAP, desenvolve pinturas que ele define como “paisagens internas”, espaços entre o visível e o imaginário. Sua pesquisa dialoga com o conceito japonês Ma — o intervalo — criando atmosferas silenciosas em que o tempo e o vazio tornam-se matéria pictórica.
Em Canção Sublime, Lucas Milano compartilha Quioto (2023) uma tela marcada por tonalidades magenta e lilás, que parecem emergir de um nevoeiro. A superfície, tênue e úmida, revela uma luz que hesita — nem aparição, nem sombra. Sua pintura opera como véu entre mundos, como se a cor respirasse por dentro, em estado de suspensão. Essa qualidade meditativa aproxima o olhar da escuta, convidando o espectador a permanecer no intervalo entre presença e dissolução.
MARLAN COTRIM (Goiânia, GO, 1993)
Vive e trabalha em Recife.
Sua pesquisa se debruça sobre corpo, território, travessias e processos de germinação. Ex-bailarina, articula vídeo, têxtil, escultura, performance e pintura em investigações sobre o corpo como território simbiótico e dissidente. Suas séries recentes, como Corpografias em trânsito, abordam o borrão como metodologia e a relação entre corpo e vegetalidade como possibilidade de coexistência e reinvenção.
Marlan Cotrim propõe um diálogo entre tremores. Na pintura Água doce a caminho do mar (2025), suas formas em expansão evocam germinações, fluxos e mutações que se aproximam da dança. Há um ritmo sinérgico com a natureza em suas composições, como se o gesto de pintar fosse uma forma de respirar com o mundo. Suas imagens afirmam o corpo como campo fértil — um território que se faz e refaz em atravessamentos, enraizamentos e fugas.
MARIA MARTINS (Campanha, MG, 1894 – Rio de Janeiro, RJ, 1973)
Escultora central do modernismo brasileiro e uma das vozes mais singulares do surrealismo internacional. Entre as décadas de 1940 e 1950, viveu entre os EUA e a França, convivendo com André Breton, Marcel Duchamp e Piet Mondrian. Sua obra funde mitologia, erotismo e natureza, compondo uma “poesia tropical” que tensiona o feminino e o primitivo. Inspirada pela cerâmica japonesa e pelo zen-budismo, transformou o bronze e a madeira em matéria de desejo e metamorfose.
Na exposição, Maria Martins é apresentada com Brouillard noir (1949) uma escultura em bronze que evoca uma ave — híbrida, entre divindade e criatura terrena. A peça, com sua superfície sinuosa e orgânica, parece conter o movimento da respiração e o instante do voo. Ao inscrever a força do mito em um corpo animal, Martins propõe um diálogo direto com o espírito de Canção Sublime: a comunhão entre o humano e o não humano, entre o gesto erótico e o gesto criador. Sua presença reativa a genealogia de quem forjou mundos a partir da matéria viva.
MARCONE MOREIRA (Pio XII, MA, 1982)
Vive em Marabá.
Autodidata, sua obra transita entre pintura, escultura, fotografia e instalação, incorporando objetos populares e materiais recolhidos, como madeiras, caixotes e embarcações. A geometria sensível e o gesto mínimo situam sua produção na fronteira entre o artesanal e o pictórico, revelando no desgaste e na precariedade uma estética de resistência e reinvenção.
Com Vertebral (2024), Moreira constrói uma escultura-serpente composta por hélices e estruturas metálicas. O corpo sinuoso da obra, que se estende por quase dez metros, reverbera o movimento das cobras sucuris — ancestrais aquáticas que habitam tanto o mito quanto o rio. A serpente é aqui força de criação e ciclo de transformação: repete-se, dobra-se, e com isso mantém a matéria em rotação. O gesto do artista propõe um olhar sobre a máquina como organismo vivo, onde ferro e oralidades se entrelaçam.
MONTEZ MAGNO (Timbaúba, PE, 1934 – Recife, PE, 2023)
Pintor, escultor e escritor. Iniciou sua trajetória nos anos 1950 e destacou-se pela investigação contínua sobre a imagem, a linguagem e a espiritualidade. Sua obra combina abstração e simbolismo em narrativas ligadas à cultura brasileira e à memória do Nordeste. Atuou também como professor e ilustrador, deixando um legado essencial à arte moderna pernambucana.
A presença de Montez Magno em Canção Sublime é um tributo à transcendência como matéria pictórica. Sua tela Cronos (1994) opera como abertura para portais metafísicos, nos quais cor e símbolo se tornam formas de meditação. As geometrias e os campos cromáticos revelam paisagens em movimento — não lugares, mas estados de passagem. Sua pintura se aproxima do pensamento místico e da filosofia oriental, convidando o olhar à introspecção e ao espanto.
NINO KAPANADZE (Tbilisi, Geórgia, 1990)
Vive e trabalha em Paris.
Sua pintura é orientada pela intuição, atmosfera e sensibilidade à luz. Com camadas translúcidas e ambientes em suspensão, suas obras exploram o tempo e a natureza, preservando tensões entre tradição e experiência sensível. Suas composições revelam um espaço de enigma e introspecção, onde cor e memória se confundem.
Horserace (variation IV) (2024), inscreve o movimento como linguagem. A obra convoca o olhar a percorrer uma corrida sem linha de chegada, uma sequência de impulsos e retenções. As camadas de pigmento mineral criam zonas de densidade e silêncio, evocando o atrito entre desejo e contenção. Não há horizonte, apenas um campo vibrante em que a matéria parece pensar. Sua pintura é um registro do instante em que o corpo tenta se libertar da própria estrutura.
RAFAEL RG (Guarulhos, SP, 1986)
Vive e trabalha em São Paulo.
Artista e escritor. Sua obra parte de uma escuta sensível às tramas da intimidade, do afeto e da memória, operando entre pesquisa documental e experiências subjetivas. Trabalha com textos, objetos, publicações, instalações e performances que tensionam os limites entre fato e ficção, presença e apagamento. Ao entrelaçar arquivos públicos e pessoais, constrói narrativas sobre vulnerabilidade, desejo e resistência.
Em Cem anos de silêncio (2022), Rafael RG inscreve na pedra o nome de Vicente Lusitano, o primeiro compositor negro a ter obras publicadas na história da música ocidental. A obra — um díptico em granito preto gravado a laser — devolve visibilidade ao corpo ausente e reinscreve a história em superfície mineral. Ao unir som e silêncio, RG propõe uma escuta arqueológica da memória negra: a pedra como partitura, a inscrição como gesto de reparação.
RENATO RIOS (Brasília, DF, 1989)
Vive e trabalha em São Paulo.
Pintor, vive em São Paulo. Sua pesquisa investiga cor e estrutura como campos de significação, articulando cosmologia, geometria e metafísica. Em suas telas, sobreposições cromáticas e figuras simbólicas compõem paisagens de contemplação e vibração, nas quais a cor se torna força espiritual e matéria em transformação.
Em Dia de fogo (2023), Renato Rios constrói uma imagem contida, quase silenciosa, em que o momento da combustão é capturado. A chama se torna uma metáfora de passagem, um estado intermediário entre luz e cinza. Já em Troca-Peles (2023), díptico, a pintura expande esse movimento: o corpo parece se desdobrar em outra matéria, num processo de mutação contínua. A cor, densa e úmida, sugere uma biologia sensível, onde o gesto se aproxima do rito. Em ambas as obras, Rios trabalha a superfície como campo de transfiguração — um lugar em que a imagem não representa, mas encarna o instante em que a vida muda de estado.
SAMUEL ALVES DE JESUS (São Paulo, SP, 1999)
Vive em Taboão da Serra e trabalha em São Paulo.
Vive em Taboão da Serra. Investiga processos com sal, água e resina em pinturas e esculturas; entre corrosão e brilho, elabora uma poética mineral-celeste de transformação, em que a matéria se move entre espiritualidade e dissolução.
Em suas esculturas e relevos, o sal se comporta como corpo vivo: cristaliza, escorre, evapora. O artista cultiva o instante em que o sólido retorna ao líquido, desenhando uma alquimia que espelha o ciclo do mundo. Em Bruma (2025), ele registra a passagem do tempo por meio da própria transformação da matéria, como se cada gotejar fosse uma oração. Entre transparência e opacidade, Samuel Alves propõe um aprendizado com o sal — o gesto de acolher a impermanência.
TOMIE OHTAKE (Kyoto, Japão, 1913 – São Paulo, SP, 2015)
Pintora, gravadora e escultora, uma das principais representantes da abstração no Brasil. Sua obra atravessou mais de seis décadas, marcada por formas orgânicas, cores vibrantes e equilíbrio entre rigor e intuição. Recebeu diversas premiações e teve o Instituto Tomie Ohtake fundado em sua homenagem, consolidando seu legado na arte contemporânea brasileira.
Na exposição, Tomie Ohtake apresenta Sem título (1984), uma pintura monumental que ultrapassa seis metros de comprimento. A obra sintetiza a busca da artista pela precisão geométrica e pelo equilíbrio entre cor, forma e espaço. Longe de um misticismo literal, sua pesquisa se ancora em uma atenção rigorosa ao gesto, ao intervalo e à relação entre o visível e o vazio. Aqui, o círculo e a curva — elementos recorrentes em sua produção — não se impõem como símbolos transcendentes, mas como exercícios de percepção e presença. Ohtake transforma a geometria em linguagem sensível, onde a cor pulsa como estrutura e respiração da forma.
VENTURA PROFANA (Salvador, BA, 1993)
Vive e trabalha no Rio de Janeiro.
Pastora, cantora, escritora, compositora e artista visual. Sua prática, simultaneamente missionária e artística, afirma uma teologia da transmutação — pensamento que busca transformar o que foi destinado aos corpos negros, indígenas e LGBTQIA+. Por meio da performance, da música e da imagem, Ventura profetiza abundância e sobrevivência, convertendo dor e esquecimento em potência criadora. Sua produção recente amplia o campo espiritual da arte como gesto de cura e insurreição.
Em O Concílio das Lamentações (2020), Ventura organiza um cosmos de recomposição simbólica: corpos e ornamentos emergem como forças em expansão, criando uma visualidade que alia espiritualidade, política e imaginação radical. A colagem atua como um gesto litúrgico — convocação e anúncio — em que fragmentos do mundo são reordenados pela potência criadora da artista.
Na fotografia Constantemente honradas, Constantemente lembradas, Constantemente alimentadas (2024), realizada em parceria com Fe Avila, Ventura se apresenta em estado de esplendor. A imagem, associada ao single homônimo, traduz a dimensão luminosa de sua prática pastoral e artística. Entre brilho e profecia, o retrato se torna um espelho da própria canção: um chamado à presença e à serenidade em meio à multiplicidade de vozes que compõem seu universo.
VIVIAN CACCURI (São Paulo, SP, 1986)
Vive e trabalha no Rio de Janeiro.
Investiga culturas musicais e produções sonoras em sentido amplo, propondo experimentos com o som que atravessam o campo auditivo, visual e corporal. Em objetos, instalações, performances e composições, cria situações que desestabilizam percepções cotidianas e iluminam distinções históricas entre ruído, música e silêncio. Suas obras, como os Soundsystems e as narrativas sobre mosquitos e insetos, articulam som, política e mitologia em processos que revelam as dimensões sociais da escuta.
Vivian Caccuri participa da mostra com Behind the Curtains (portal), 2024, um trabalho em carvão e pastel que transforma o palco em estrutura de ressonância. Suas linhas vibram como frequências de luz e cores, convertendo o gesto do desenho em partitura visual. A artista propõe o palco como território de aparição — onde o corpo se torna canal de forças coletivas. Sua obra amplia a noção de performance, afirmando a escuta como forma de revelação e a vibração como linguagem do invisível.
Ariana Nuala (Recife, PE, 1993) é pesquisadora e curadora. Sua prática se desdobra em diálogo com coletivos artísticos, abordando dinâmicas de poder, impermanência e diáspora, combinando estratégias corporais com escrita em chave poética. É Mestra em História da Arte pela UFPB, com a pesquisa MATAMUSEUMATA, na qual estabeleceu uma relação crítica entre o Quilombo do Catucá e a Oficina Francisco Brennand, investigando fricções entre memória, território e instituições. É também licenciada em Artes Visuais pela UFPE, com experiências acadêmicas na UNAM (México) e na CLACSO. Atuou como curadora e pesquisadora no Museu Afro Brasil Emanoel Araujo (2024–2025), Gerente de Educação e Pesquisa na Oficina Francisco Brennand (2023–2024), onde também exerceu a função de curadora (2021–2023), e coordenadora do setor educativo do Museu Murillo La Greca (2018–2020). Foi curadora-adjunta do 38º Panorama da Arte Brasileira, ao lado de Germano Dushá e Thiago de Paula Souza (2024). Integra a pesquisa de curadoria do projeto Visualizing Abolition, no Institute of the Arts and Sciences da UC Santa Cruz, e publicou textos críticos para instituições como a 36ª Bienal de São Paulo, Pinacoteca de São Paulo e 3ª edição de Frestas – Trienal de Artes.
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Sublime Song, Notes Toward the Infinite
In the center of almost any large city, there may be a small shop selling Indian goods. Behind a window of embroidered rugs, colored scarves, incense, and gilded images of gods, a simply bound book rests: the Bhagavad-Gita. In some of these stores, music plays in the background — mantras repeated in a gentle voice, accompanied by light drums. These are fragments of the Hare Krishna movement, which arrived in Brazil in the late 1960s, carried by the global expansion of the International Society for Krishna Consciousness (ISKCON), founded in New York by A. C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada. The movement’s philosophy, grounded in devotion and chanting as a path to union with the divine, spread through communities, fairs, and urban centers, bringing with it the materiality of an ancient, living wisdom — one sung in rhythm.
The Bhagavad-Gita, or The Sublime Song, is one of Hinduism’s central scriptures and among the most universal ethical treatises ever written. It forms part of the monumental Mahabharata, the great Indian epic. Within this vast poem — which recounts the dispute between two lineages of the same family, the Pandavas and the Kauravas — war is not merely political but interior, an allegory of the struggle between sight and blindness, between consciousness and ignorance. The Kauravas descend from Dhritarashtra, the blind king who symbolizes the loss of discernment; the Pandavas, guided by Arjuna, embody the lineage that seeks justice and truth. The Bhagavad-Gita unfolds in the sixth book of the epic, on the eve of the final battle. There, the warrior Arjuna hesitates: faced with a field crowded with enemies who are also his kin, he loses the will to fight. His bow falls.
In that moment, Krishna — his charioteer and master — reveals himself as wisdom’s principle and speaks of the necessity of just action, of dharma, balance, and the harmony between doing and understanding. The dialogue between Arjuna and Krishna becomes a meditation on the meaning of acting in the world. In philosophical tradition, Arjuna is the image of the human confronted with an essential choice: to act by the impulses of matter or by the duty born of spirit. Krishna teaches him that action is inevitable, that inaction is itself a form of action, and that wisdom consists in performing one’s duty without attachment to outcomes.
Like a song, the Gita teaches the rhythm of just action — action attuned to the whole. Historically, it traversed centuries of orality before reaching the West. English, French, and Latin translations circulated from the eighteenth century onward, becoming bridges between cultures and matrices of philosophical thought. In universities and monasteries alike, the Gita came to be read as a treatise on the ethics of action, the autonomy of spirit, and the inseparability of life, duty, and consciousness. Today, the book preserved in those shops is also the vestige of a cosmology in motion, far from the determinism of an orientalist gaze.
I borrow this heroic narrative — one I first encountered at seventeen in a small neighborhood shop in Recife’s North Zone. The curiosity of attempting to understand the world through a spiritual lens seemed, at the very least, intriguing, and within the song — or within the sutras that surround this literature — there was a language that unsettled the established order of things. Between Arjuna’s meeting with his own kin, mirrors of himself, and the inner conflict that paralyzes him, something always returns: the awareness that every battle is also internal, a struggle for discernment. This process, woven of languages, whispers, and chants, holds the potential to affect the social web itself — its structures and murmurs — as if each spiritual vibration were also a political act, a fissure opened in the fabric of the world.
Today, perhaps, we can unravel this layer of the hero. The narrative architecture of conquest and return seems too bound to the subject, too linear for the complexity of the hero-god. As Leda Maria Martins reminds us in A Cena em Sombras (1995) (1), when she takes African theater as reference, she reveals a perception of the real in which drama and rite intertwine, and the so-called “drama of the hero-god” no longer designates an individual trajectory but a collective experience of passage. The hero, as in the Gita, is a principle of connection: divinity and community in coexistence, a presence that gathers human and cosmic forces in one gesture. In such dramaturgy, the stage is a ritual arena and drama is communion. The body becomes mediator between worlds, and the act of creation, a form of healing. This vision dissolves the linear arc of the Western hero and returns to collectivity the power to narrate, heal, and reorder the world. Knowledge, then, is born from relation. Or, as Martins proposes, in both literature and theater, these expressions recover modes of communal cohesion, exposing their tensions and frictions.
It becomes necessary to displace the subject toward an ethics of a world that allows itself to be affected, where thought is also vibrating matter. In these folds, the song that once belonged to the hero dissolves into a choir — a polyphonic listening, a language that seeks not the center but the margins, the rumor, the collective murmur. Again one might ask: do the narratives that do not separate the divine from the earthly, that open configurations and entangle themselves in presence, not still traverse the very religious frameworks that structured the world as we know it?
Hegemonic monotheistic religions remain architectures of symbolic power, governing moralities and drawing boundaries between purity and profanation, between the human and the sacred. Even when they proclaim crisis, they continue to act as devices regulating the sensible, shaping how we perceive body, guilt, and transcendence. In their reverse, our contemporary time seems to respond with a nihilism that, in declaring God’s death, also erases the possibilities of meaning. Between these forces, chant and listening may remind us of another economy of spirit — an ethics of vibration — in which the infinite is an unending process of production and movement, a relation between what calls and what responds, between entangled worlds.
An announcement. Across a landscape, one might hear an almost shimmering voice arriving slowly through a high pitch. As every hair on the body bristles, an intermittent cry overflows from the eyes and breath finds its place again. That landscape could be another, in another body, in another world. To sing is to rise against emptiness. To listen is to reopen the world to its own density. Between breath and time, between sound and gesture, life offers itself as a field of battle and of creation — an infinite song.
Sublime Song, Notes Toward the Infinite proposes song as an image of access — a portal for understanding an active, entangled world. It presents itself as a spiritual practice that also shapes the political field. As in passages of the Bhagavad-Gita, which point toward a social order, the song evokes mediations amid forces seeking to capture and drain dense experiences — technologies of the spirit. The chant endures as vibration that cannot be possessed, a language that dissolves and is conjured, a body opening into states of presence. Like the sutras — threads that stitch consciousness across eras — the song rehearses forms of freedom, expanding gesture beyond the control of capital. The tubular organ — breath in motion — produces polyphonies and mixtures that found transient, insurgent territories, always in flight. The exhibition affirms spirituality not as refuge but as the speculative potency of worlds, where voice is passage, resistance, and infinite horizon. Tantras, meditations, and bodily, sonic, and mental exercises reveal ways of seeing and being divine. They are localized practices born of communities and trances which, exoticized and fetishized, often become commodities today. In this sense, the exhibition traces points of energy where certain spiritual technologies are remembered and realigned — wisdoms reminding us that we are surrounded by different worlds and calling us to access them without cosmophobia, as Nêgo Bispo warns. Practices and exercises thus become not only memory but living relearning — ways of reopening channels of presence and insurgency against forces that insist on reducing life to its utility.
The exhibition takes this literature as a tool for thought, keeping the text close to the artworks as a means of approach: to understand action, conflict, and transformation as embodied experiences. The battlefield that moves Arjuna is understood here as a field of relations, a space in which gesture and listening become forms of knowledge.
The works gathered do not describe spiritual passages; they rehearse states — presence, dispersion, withdrawal, displacement. Each proposes ways to tune attention and sustain coexistence, reopening bonds between matter and thought. Just as the chant of the Gita leads toward conscious action, these practices engage with time, the unfinished, and the interval between what ceases and what returns.
In a conversation among Fred Moten, Stefano Harney, Sandra Ruiz, and Hypatia Vourloumis (2), Vourloumis defines the murmur as a paradoxical structure: “ways of handling one another,” small forms of care that overlap, deviate, and persist. That image of the murmur runs through the exhibition. The works do not close in upon themselves; they coexist in resonance, sustaining the sound of difference as a space of relation.
Sublime Song, Notes Toward the Infinite understands the infinite as duration — the interval in which things continue to operate. The works do not seek rest or conclusion; they hold themselves in friction, in listening, and in reverberation. Something unfinished that prolongs itself.
(1) MARTINS, Leda Maria. The Scene in Shadows: Essays on Black Theatre and the Performative. Belo Horizonte: Mazza Editions, 1995.
(2) Harney, Stefano, Fred Moten, Sandra Ruiz, and Hypatia Vourloumis. Resonances: A Conversation on Formless Formation. Translated by Cian Barbosa. São Paulo: Casa do Povo, 2023. Originally published as “Resonances: A Conversation on Formless Formation,” e-flux journal, no. 121 (October 2021). Available at: https://casadopovo.org.br/wp-content/uploads/2023/11/fred-moten-stefano-harney-ressonnancias.pdf. Accessed October 23, 2025.
SINGS AND SONGS:
ANA V. LOPES (Japuíba, RJ, 1998)
Lives in São Gonçalo and works in Rio de Janeiro.
A visual artist, curator, and anti-colonial researcher, she works with sculpture, painting, video, and performance. With a degree in History from the Fluminense Federal University (UFF), she is assistant curator at Galpão Bela Maré and founder of Ateliê Pytã, a project dedicated to narratives of experimentation with clay and natural pigments. Her practice lies between cultural education, accessibility, and anti-racist and anti-ethnocidal perspectives. Based on poetic writing and her encounter with the earth, her poetics fables cohabitable worlds, where body and matter intertwine in processes of biointeraction.
In Quando Tudo Enkrakar (2025), Ana V. Lopes presents an installation born from the observation of krakas—marine organisms that build small calcareous architectures when they attach themselves to surfaces. The artist transforms this microscopic biology into a metaphor for coexistence and silent insurgency. Clay and salt become extensions of the body, matter for breathing and attachment. Her work accompanies the moment when something announces itself before being seen, evoking the gesture of collectivities, small prayers, in which those who learn from the sea attain patience, accumulation, and the ability to remain in transformation.
ANTONIO BRENO (Baturité, CE, 1995)
Lives and works in Fortaleza.
A visual artist and researcher, he holds a degree in Gastronomy from the Federal Institute of Education, Science, and Technology of Ceará (IFCE) and is currently pursuing a degree in Humanities at UNILAB. He develops works in sculpture, installation, video, and expanded photography. His research stems from a sensitive relationship between body, materiality, and territory, operating on the margins between ancestry and experimentation.
In the exhibition, Antonio Breno presents the videos O tempo das coisas (2023) and Voo (2024), which intertwine hallucination, death, and rebirth. In Voo, the images transition between a tombstone and the landscapes of Baturité, composing a meditation on time, elasticity, hallucination, and matter. In the first video, the fire that consumes fish being roasted by fishermen on Mucuripe beach in Fortaleza alternates with footage of the artist's grandfather's funeral in 1999, in which hands rest close to the body. The act of filming becomes a rite of passage—a flame and a breath that sew together the domestic and the sacred. In both works, Breno transforms video into an exercise in prayer and listening, a way of reconnecting the visible to the invisible, life to its own continuity.
BEL YSOH (São Paulo, SP, 1991)
Lives and works in São Paulo.
The daughter of Korean immigrants, she builds a body of work of an investigative nature that articulates materialities and immaterial concepts. Her practice spans sculpture, ceramics, painting, video, photography, and performance, proposing dialogues between tradition and rupture, individual and collective. Raised in a hybrid cultural and disciplinary context, Ysoh reflects on identity tensions and possible coexistences in territories marked by oppression and displacement, making art a space for symbolic reconstruction and sensitive emancipation.
Bel Ysoh presents Tomy (2024), a large-scale ceramic sculpture composed of a monumental head with hybrid features that emerges from the earth like an oracle. The work suspends boundaries between ancestry and fiction, inviting the viewer to listen silently and introspectively.
CASTIEL VITORINO BRASILEIRO (Vitória, ES, 1996)
Lives and works in Vitória.
Artist, writer, and clinical psychologist with a master's degree in Clinical Psychology from PUC-SP. Her multidisciplinary practice investigates the mysteries between life and death, transmutation, and interspecific spirituality, based on knowledge from the Bantu-Brazilian diaspora. She is the author of Quando o sol aqui não mais brilhar: a falência da negritude (2022) and is developing the ongoing project Kalunga: the origin of species.
In the exhibition, Castiel presents Para o meu avô / para meu avô (2024 - present), a set of mosaics created in homage to her grandfather, configuring an affective cartography in which the floor becomes an altar. The small pieces of glass and stone reconstruct memories, like fragments of a scattered celestial body. In them, the artist brings together the time of the dead and the time of the stars, evoking the Bantu principle of continuity between worlds. Her works vibrate like silent prayers, where the shine of the surfaces reflects the learning from ancestors and the gesture of transforming passages into form, together with the presence of jackfruit wood, which accompanies the work.
FE AVILA (São Paulo, SP, 1981)
Lives and works in São Paulo.
Non-binary person, artist, and photographer. Graduated in Social Communication from PUC-SP and post-graduated in Art History from FAAP. Researches dissident corporealities, intimacy, and spirituality, experimenting with photography as a performative trance and meeting space. Builds a shared archive of memories and affections, blurring boundaries between document, fiction, image, and presence.
In Abissais (2021), produced in collaboration with Anis Yaguar and Abél Yina, and in Autorretratos, from the Corpo Luz series (2022–2025), Fe Avila uses photography to immerse herself in atmospheres where light dissolves into matter. The translucent surface of the backlight creates the sensation of an image that emits—and not merely reflects—luminosity. Between the body and the rock, the portrait becomes energy. Her practice brings the image closer to sculpture, not in form, but in the tactile density that light acquires: a photograph that breathes from within, a luminous body that refuses to be framed.
GILSON PLANO (Goiânia, GO, 1988)
Lives and works in Rio de Janeiro.
He holds a Master's degree in Arts from the State University of Rio de Janeiro – UERJ. In his projects, he investigates how formal aspects can reveal dimensions of fiction, enchantment, and memory. By tensioning weight and balance between matter and structure, he constructs symbolic and historical links that transform the sculptural gesture into narrative. His work stems from an imaginary about form and thought in Brazil, also articulating actions in education and cultural management.
In the exhibition, Gilson Plano presents lágrimas (2024), a sculpture that opens like an arch of devotion. Constructed in metal, the piece evokes rosaries and tears of Our Lady, connecting gestures of faith to popular festivities in the interior of Minas Gerais. Between congadas and reisados, the artist designs an altar that is both structure and prayer. His sculpture proposes a reading of the sacred as the architecture of the body and the collective—a portal that rises through the power of belief, between the weight of matter and the breath of the invisible.
GOKULA STOFFEL (Porto Alegre, RS, 1988)
Lives and works in São Paulo.
In her work, landscape is always body, and body is always atmosphere. Her pictorial practice arises from observation of the environment and knowledge of materials—fabrics, fibers, resins, and lavender—which combine in compositions with strong emotional charge. Her research integrates painting, sculpture, weaving, and drawing, blending chance and memory in a reflective practice that converts the manual act into a space of affection and listening.
Espreguiçar, Meditação com Sol, and Corpo-vapor, both from 2025, articulate the pictorial gesture to make time breathe. In them, the artist works with oil paint with a rarefied texture, allowing the background to pulsate like steam. The figures are not defined by outline, but by chromatic temperature, presenting bodies in states of matter similar to those of substances inherent to life. They are bodies that stretch under the sunlight, that dissolve into mist and that rest between sleep.
JUNO B (Fortaleza, CE, 1982)
Lives and works in São Paulo.
His practice moves between fiction and trans-species mutations in dialogue with adaptive post-industrial landscapes, challenging notions about the human factor in these contexts. Through video, photography, sculptural objects, and immersive installations, his work proposes conceptual and visual syntheses based on gestures of storytelling and magic.
In deep distance (2025), Juno B points to a mountainous landscape where light and body attempt to communicate. A beam crosses the frame, reaching a Bolivian mountain crowned by a cross. Between the human and the mineral, the artist constructs a scene of invocation and silence. His work reflects on the attempt to establish dialogue with the unknown—the gesture of sending a signal, of sending a message to something that may not respond. In this interval, light becomes prayer and the mountain becomes witness.
KAETÉRINE TERRA (Rio de Janeiro, RJ, 1998)
Lives and works in Rio de Janeiro.
An artist born and raised in Morro do Caeté, she is a visual arts student at the Federal University of Rio de Janeiro (UFRJ). A member of the trans screen printing collective Fudida Silk, her practice emerges from the encounter between body, matter, and territory, experiencing the invisible through her hands. She works with organic and synthetic materials found in her travels, transcending traditional media to create objects of affection and care.
In the exhibition, Kaetérine Terra presents Sentimento oceânico (2024), composed of textile diagrams made of velvet and screen printing, in which symbols, words, and stains articulate themselves like constellations of mystical thought. Between urban new age aesthetics and a memorandum of practices, the composition brings together the memory of fragmented astral maps—records of an everyday and insurgent spirituality. The gesture of manually printing on fabric affirms the body as a mediator between worlds, a surface where the visible and the hidden touch each other.
LOREN MINZÚ (São Gonçalo, RJ, 1999)
Lives in São Gonçalo and works in Rio de Janeiro.
In her practice, she reflects on image, time, body, and space based on interspecific relationships guided by the light and darkness that emanate from earthly and cosmic beings. She works with video, installation, and sculpture, creating aesthetic tools alongside the plant kingdom.
In the exhibition, Loren Minzú presents Sublime Canção (2025), ceramic sculptures that open like rotating bodies. His pieces evoke solar movement through mouths and skirts that rotate around an imaginary axis, in reverence to light, proposing a cosmology of circular gesture, in which manual work approaches dance and clay becomes a body in trance. He creates landscapes of communion, where fire, sound, and clay breathe in unison.
LUCAS MILANO (Belo Horizonte, MG, 1992)
Lives and works in São Paulo.
With a degree in Visual Arts from Fundação Armando Alvares Penteado – FAAP, he develops paintings that he defines as “internal landscapes,” spaces between the visible and the imaginary. His research dialogues with the Japanese concept of Ma—the interval—creating silent atmospheres in which time and emptiness become pictorial matter.
In Canção Sublime, Lucas Milano shares Quioto (2023), a canvas marked by shades of magenta and lilac that seem to emerge from a fog. The surface, tenuous and moist, reveals a hesitant light — neither apparition nor shadow. His painting operates as a veil between worlds, as if the color breathed from within, in a state of suspension. This meditative quality brings the gaze closer to listening, inviting the viewer to remain in the interval between presence and dissolution.
MARLAN COTRIM (Goiânia, GO, 1993)
Lives and works in Recife.
Her research focuses on the body, territory, crossings, and germination processes. A former ballerina, she combines video, textiles, sculpture, performance, and painting in investigations of the body as a symbiotic and dissident territory. Her recent series, such as Corpografias em trânsito (Corpographies in Transit), address blurring as a methodology and the relationship between body and vegetation as a possibility for coexistence and reinvention.
Marlan Cotrim proposes a dialogue between tremors. In the painting Água doce a caminho do mar (2025), her expanding forms evoke germinations, flows, and mutations that resemble dance. There is a synergistic rhythm with nature in his compositions, as if the act of painting were a way of breathing with the world. His images affirm the body as fertile ground—a territory that is made and remade through crossings, rootings, and escapes.
MARIA MARTINS (Campanha, MG, 1894 – Rio de Janeiro, RJ, 1973)
A central sculptor of Brazilian modernism and one of the most unique voices of international surrealism. Between the 1940s and 1950s, she lived between the US and France, spending time with André Breton, Marcel Duchamp, and Piet Mondrian. Her work blends mythology, eroticism, and nature, composing a “tropical poetry” that tensions the feminine and the primitive. Inspired by Japanese ceramics and Zen Buddhism, she transformed bronze and wood into materials of desire and metamorphosis.
In the exhibition, Maria Martins is represented by Brouillard noir (1949), a bronze sculpture evoking a bird—a hybrid between divinity and earthly creature. The piece, with its sinuous and organic surface, seems to contain the movement of breath and the instant of flight. By inscribing the power of myth into an animal body, Martins proposes a direct dialogue with the spirit of Canção Sublime: the communion between the human and the non-human, between the erotic gesture and the creative gesture. Her presence reacts to the genealogy of those who forged worlds from living matter.
MARCONE MOREIRA (Pio XII, MA, 1982)
Lives in Marabá.
Self-taught, his work ranges from painting, sculpture, photography, and installation, incorporating popular objects and collected materials such as wood, crates, and boats. The sensitive geometry and minimal gestures place his production on the border between the artisanal and the pictorial, revealing an aesthetic of resistance and reinvention in wear and tear and precariousness.
With Vertebral (2024), Moreira constructs a snake sculpture composed of propellers and metal structures. The sinuous body of the work, which extends for almost ten meters, reverberates the movement of sucuri snakes—aquatic ancestors that inhabit both myth and the river. Here, the serpent is a force of creation and a cycle of transformation: it repeats itself, folds itself, and thereby keeps matter in rotation. The artist's gesture proposes a view of the machine as a living organism, where iron and oralities intertwine.
MONTEZ MAGNO (Timbaúba, Pernambuco, 1934 – Recife, Pernambuco, 2023)
Painter, sculptor, and writer. He began his career in the 1950s and stood out for his continuous research on image, language, and spirituality. His work combines abstraction and symbolism in narratives linked to Brazilian culture and the memory of the Northeast. He also worked as a teacher and illustrator, leaving an essential legacy to modern art in Pernambuco.
The presence of Montez Magno in Canção Sublime is a tribute to transcendence as pictorial material. His canvas Cronos (1994) operates as an opening to metaphysical portals, in which color and symbol become forms of meditation. The geometries and chromatic fields reveal landscapes in motion—not places, but states of passage. His painting approaches mystical thought and Eastern philosophy, inviting the gaze to introspection and wonder.
NINO KAPANADZE (Tbilisi, Georgia, 1990)
Lives and works in Paris.
Her painting is guided by intuition, atmosphere, and sensitivity to light. With translucent layers and suspended environments, her works explore time and nature, preserving tensions between tradition and sensory experience. His compositions reveal a space of enigma and introspection, where color and memory merge.
Horserace (variation IV) (2024), inscribes movement as language. The work invites the viewer to follow a race without a finish line, a sequence of impulses and restraints. The layers of mineral pigment create zones of density and silence, evoking the friction between desire and restraint. There is no horizon, only a vibrant field in which matter seems to think. His painting is a record of the moment when the body tries to free itself from its own structure.
RAFAEL RG (Guarulhos, SP, 1986)
Lives and works in São Paulo.
Artist and writer. His work stems from a sensitive listening to the threads of intimacy, affection, and memory, operating between documentary research and subjective experiences. He works with texts, objects, publications, installations, and performances that strain the boundaries between fact and fiction, presence and erasure. By intertwining public and personal archives, he constructs narratives about vulnerability, desire, and resistance.
In Cem anos de silêncio (2022), Rafael RG inscribes on stone the name of Vicente Lusitano, the first black composer to have works published in the history of Western music. The work—a laser-engraved black granite diptych—restores visibility to the absent body and rewrites history on a mineral surface. By uniting sound and silence, RG proposes an archaeological listening to black memory: stone as a musical score, inscription as a gesture of reparation.
RENATO RIOS (Brasília, DF, 1989)
Lives and works in São Paulo.
Painter, lives in São Paulo. His research investigates color and structure as fields of meaning, articulating cosmology, geometry, and metaphysics. In his canvases, chromatic overlays and symbolic figures compose landscapes of contemplation and vibration, in which color becomes spiritual force and matter in transformation.
In Dia do Fogo (2019), Renato Rios constructs a restrained, almost silent image in which the moment of combustion is captured. The flame becomes a metaphor for passage, an intermediate state between light and ash. In Troca-Peles (2023), a diptych, the painting expands this movement: the body seems to unfold into another matter, in a process of continuous mutation. The dense, moist color suggests a sensitive biology, where gesture approaches ritual. In both works, Rios treats the surface as a field of transfiguration—a place where the image does not represent, but embodies the instant when life changes state.
SAMUEL ALVES DE JESUS (São Paulo, SP, 1999)
Lives in Taboão da Serra and works in São Paulo
He investigates processes involving salt, water, and resin in paintings and sculptures; between corrosion and shine, he elaborates a mineral-celestial poetics of transformation, in which matter moves between spirituality and dissolution.
In his sculptures and reliefs, salt behaves like a living body: it crystallizes, flows, evaporates. The artist cultivates the moment when the solid returns to liquid, drawing an alchemy that mirrors the cycle of the world. In Bruma (2025), he records the passage of time through the very transformation of matter, as if each drop were a prayer. Between transparency and opacity, Samuel Alves proposes a learning process with salt—the gesture of embracing impermanence.
TOMIE OHTAKE (Kyoto, Japan, 1913 – São Paulo, SP, 2015)
Painter, engraver, and sculptor, one of the leading representatives of abstraction in Brazil. Her work spanned more than six decades, marked by organic forms, vibrant colors, and a balance between rigor and intuition. She received several awards and had the Tomie Ohtake Institute founded in her honor, consolidating her legacy in Brazilian contemporary art.
In the exhibition, Tomie Ohtake presents Untitled (1984), a monumental painting over six meters long. The work synthesizes the artist's search for geometric precision and balance between color, form, and space. Far from literal mysticism, her research is anchored in a rigorous attention to gesture, interval, and the relationship between the visible and the void. Here, the circle and the curve—recurring elements in her production—are not imposed as transcendent symbols, but as exercises in perception and presence. Ohtake transforms geometry into a sensitive language, where color pulsates as the structure and breath of form.
VENTURA PROFANA (Salvador, Bahia, 1993)
Lives and works in Rio de Janeiro.
Pastor, singer, writer, composer, and visual artist. Her practice, simultaneously missionary and artistic, affirms a theology of transmutation—a way of thinking that seeks to transform what has been destined for Black, Indigenous, and LGBTQIA+ bodies. Through performance, music, and image, Ventura prophesies abundance and survival, converting pain and oblivion into creative power. Her recent work expands the spiritual field of art as a gesture of healing and insurrection.
In O Concílio das Lamentações (2020), Ventura organizes a cosmos of symbolic recomposition: bodies and ornaments emerge as expanding forces, creating a visuality that combines spirituality, politics, and radical imagination. The collage acts as a liturgical gesture—a summons and an announcement—in which fragments of the world are reordered by the artist's creative power.
In the photograph Constantemente honradas, Constantemente lembradas, Constantemente alimentadas (2024), produced in partnership with Fe Avila, Ventura presents herself in a state of splendor. The image, associated with the single of the same name, conveys the luminous dimension of her pastoral and artistic practice. Between brilliance and prophecy, the portrait becomes a mirror of the song itself: a call to presence and serenity amid the multiplicity of voices that make up her universe.
VIVIAN CACCURI (São Paulo, SP, 1986)
Lives and works in Rio de Janeiro.
She investigates musical cultures and sound productions in a broad sense, proposing experiments with sound that traverse the auditory, visual, and bodily fields. In objects, installations, performances, and compositions, she creates situations that destabilize everyday perceptions and illuminate historical distinctions between noise, music, and silence. Her works, such as Soundsystems and narratives about mosquitoes and insects, articulate sound, politics, and mythology in processes that reveal the social dimensions of listening.
Vivian Caccuri participates in the exhibition with Behind the Curtains (portal), (2024), a work in charcoal and pastel that transforms the stage into a resonance structure. Her lines vibrate like frequencies of light and color, converting the gesture of drawing into a visual score. The artist proposes the stage as a territory of appearance—where the body becomes a channel for collective forces. Her work expands the notion of performance, affirming listening as a form of revelation and vibration as the language of the invisible.
ARIANA NUALA (Recife, PE, 1993)
Researcher and curator. Her practice unfolds in dialogue with artistic collectives, addressing dynamics of power, impermanence, and diaspora, combining bodily strategies with poetic writing. She holds a master’s degree in Art History from UFPB, with the research MATAMUSEUMATA, establishing a critical relationship between Quilombo do Catucá and Oficina Francisco Brennand through frictions among memory, territory, and institutions. She also holds a BA in Visual Arts from UFPE, with academic experiences at UNAM (Mexico) and CLACSO. She served as curator and researcher at Museu Afro Brasil Emanoel Araujo (2024–2025), Manager of Education and Research at Oficina Francisco Brennand (2023–2024), where she also acted as curator (2021–2023), and as coordinator of Museu Murillo La Greca’s education department (2018–2020). She was associate curator of the 38th Panorama of Brazilian Art (MAM SP, 2024) alongside Germano Dushá and Thiago de Paula Souza, and is part of the Visualizing Abolition curatorial research project at UC Santa Cruz’s Institute of the Arts and Sciences. She has published critical texts for the 36th Bienal de São Paulo, Pinacoteca de São Paulo, and Frestas – Triennial of Arts (3rd edition).